Nacida en Normée, Châlons-en-Champagne, Francia, Nathalie Crasset (devenida en matali, preferentemente con la “m” en minúscula), se crió en una granja donde el trabajo y la vida se entrelazaban.
Si bien en 1991 se graduó como diseñadora industrial en Les Ateliers, École Nationale Supérieure de Création Industrielle (ENSCI) de París, esta creadora integral y ecléctica tiene infinidad de aristas y colabora con numerosos y diversos ámbitos que van desde muebles de producción en masa a otros manufacturados artesanalmente; música electrónica, industria textil para el comercio justo, diseño de espacios e instalaciones, diseño gráfico y arquitectura.
Matali ha recibido numerosos premios a lo largo de su carrera, como el Gran Premio de Diseño de la Ciudad de París en 1197, el Gran Premio de la Prensa Internacional de la Crítica del Mueble Contemporáneo en 1999 y el premio a la Diseñadora del año en el Salón del Mueble de París, 2006.
Pero además, su obra está incluida en prestigiosas instituciones y colecciones públicas y privadas de todo el mundo, entre ellas el Museum für Angewandte Kunst (MAK) de Viena; el Museo de Artes Decorativas y el Centro de Georges Pompidou en París; el Instituto de Arte de Chicago; el Museo de Arte de Indianápolis; el MOMA de Nueva York; el Museo de las Artes Contemporáneas de Bélgica, y el Museo do Design y da Moda de Lisboa.
Días antes de arribar a nuestro país en el marco de la edición del DArA ID la diseñadora charló con Para Ti Deco.
- ¿Cómo definís tu forma de hacer diseño?
- Desde siempre he defendido un diseño en la encrucijada de la práctica artística, antropológica y social. Trabajo por un diseño de creación, de lo vivo y de lo cotidiano. Mi diseño es la expresión de una profunda convicción, la del proceso creativo considerado como un proyecto humano, social y ecológico. Porque la finalidad de los proyectos no reside en su sola realización, sino en el proceso mismo y en la capacidad de producir un vínculo, de crear un sistema de intercambio y reciprocidad entre los individuos y con el medio natural. Es así como cada proyecto se convierte en un trabajo común.
¿Cuál dirías que es tu leit motiv como diseñadora?
- Más allá de la función, a través de los proyectos que realizo veo cada vez más esta profesión como la de una partera. Ya no se trata tanto de dar forma a la materia -la estética-, sino de hacer surgir, federar, organizar, en torno a intenciones y valores comunes, vínculos y redes de habilidades, connivencia, sociabilidad. La mayoría de los proyectos en los que estoy trabajando actualmente resaltan esta dimensión del trabajo colectivo y colaborativo.
¿Algo de tus raíces rurales influye o ha influido en tu obra?
- El hecho de haber vivido de niña en un pueblo de 80 habitantes y de tener padres campesinos sin duda influyó en mi forma de relacionarme. El paisaje de mi infancia en su no color también me influenció mucho. Los paisajes del Marne son grandes extensiones planas casi blancas debido a la presencia de tiza en el suelo. Mi posición o mi afirmación del color y la policromía tienen sin duda sus raíces en ese deseo de ver un aura imaginaria e ir más allá del blanco y negro.
¿Y cuál es el propósito del color en tus proyectos?
- Siento que estoy usando el color de la forma en que debe usarse. Creo que en Europa le tenemos miedo al color, prohibimos el color. Cuando somos pequeños nos gustan ciertos colores, luego va evolucionando constantemente a lo largo de nuestra vida. Quitar el color es un poco como prohibirte vivir. Sin embargo, conocemos los beneficios del color sobre nuestro estado mental. El color es un lenguaje mucho más universal que la forma. Leer un formulario requiere interpretación, pero el color brinda una interacción más instintiva y sin filtros. Uso el color como un aliado. Me permite romper códigos y gracias al color puedo clarificar el escenario de vida propuesto en el espacio. También me gusta trabajar con la luz -aunque es más restrictiva- pero el resultado suele ser doblemente mágico. La luz tiene su propia lógica que debes entender si quieres domarla. Requiere una gran sutileza de intervención, para conseguir al final una gran sencillez.
¿Cómo imaginás el futuro del diseño?
- El principal desafío al que nos enfrentamos es el cambio climático. Las cuestiones del acceso al agua, a una alimentación sana, serán cada vez más importantes y preocupantes. Creo que el diseño debe abordar cómo la reflexión sobre el hábitat doméstico puede conjugar estas cuestiones.
¿Qué oportunidad de mejora encontrás en el diseño ahora? ¿Y específicamente en Latinoamérica?
- Nunca he trabajado ni colaborado con empresas en Latinoamérica. He realizado varias conferencias en México y Brasil, así como talleres. Quizá también exista la necesidad de estar anclado para realizar un trabajo situado. Esto es lo que me permitió la experiencia de Dar HI en Túnez, donde diseñé un pequeño hotel a las puertas del desierto con vistas a los palmares de Nefta, trabajando en estrecha colaboración con todo el ecosistema local.
¿En qué estás trabajando actualmente?
- Trabajo cada vez más en proyectos arquitectónicos globales relacionados con contextos específicos, como la granja Hibride en Luberon, al igual que las empresas a las que apoyo, muchas de las cuales son PYME (pequeñas y medianas empresas) pertenecientes a la red de la EPV (Entreprise du Patrimoine Vivant o Empresas de Patrimonio Vivo): Missègle (www.missegle.com/), Tissage Moutet (www.tissage-moutet.com) y Atelier Tuffery (www.ateliertuffery.com).
¿Sobre qué temas va a girar tu exposición durante el DArA ID?
- Hablaré de mi particular forma de considerar el diseño, un enfoque a la vez pragmático y centrado en la encrucijada de una práctica artística, antropológica y social en la que el entorno natural es el centro. De manera general, voy a dar mi punto de vista sobre estas cuestiones: ¿Cómo hacer territorio?; ¿Cuáles son las reglas de convivencia a inventar para vivir en armonía con los mundos vegetal y animal?, entre otros.
Producción: Mariana Soulages.
Fotos: Pinterest.
